Ковалева Дина

художник - дизайнер

Меню сайта
Категории раздела
Мои статьи [4]
Статистика

Онлайн всего: 1
Гостей: 1
Пользователей: 0
Главная » Статьи » Мои статьи

Гобелены. История развития ручного ткачества

Гобелены. История развития ручного ткачества

Искусство ткачества – древнейший вид декоративно-прикладного искусства. Изучая историю ткачества, постоянно сталкиваешься с проблемой непонимания основных терминов и принципов ткачества.

Таписерия – принятый специалистами термин для обозначения современных произведений авторского ручного ткачества, использующих опыт шпалерного ткачества, различные виды переплетений, современные материалы и технологии. Слово «таписерия» происходит от греческого «тапес» – название ковра. Современные английское и французское названия обозначают приблизительно «ковровая картина », а немецкое – «картинный ковер»).

Фрагмент коптской ткани.
Божество реки Нил. IV в.

Своими корнями ткачество уходит в Древний Египет. Но еще задолго до этого ткачеству предшествовало плетение. Материалы для него древние люди использовали самые разнообразные: это и лубяные волокна, и стебли, и полоски меха, даже человеческий волос использовался как материал. Ткачество появилось тогда, когда на смену коротким волокнам пришла длинная нить. В музее Каира хранятся фрагменты льняной пелены, выполненной репсовым переплетением с вытканными разноцветными узорами, изображающими лотосы и скарабеев. Пелена была найдена в захоронении Тутмоса IVи датируется 1400 г. до н.э. Особенно хочется отметить мастеров художественного ткачества, потомков древних египтян– коптов. Коптские ткани появились параллельно с распространением в Египте христианства, поэтому сначала вытканный на них рисунок носил сакральный характер. Это были различные завесы, панно для проведения богослужения. Так как первые христианские богослужения проходили в пещерах, такого рода иконы было легко переносить с места на место, легко было спрятать от преследователей христианской религии. Позже мастера художественного ткачества стали применять свое мастерство в оформлении интерьеров домов, создавая настенные панно, ткали различные орнаментальные композиции для вставок в элементы костюма. Орнамент коптских тканей стал уже не только религиозным, но и мирским. В 619 году с завоеванием Египта арабами сюжеты коптских тканей изменились. В орнаментах появились элементы, свойственные мусульманской культуре, хотя религиозные христианские сюжеты оставались неизменными. Коптские ткани развили технику шпалеры, а некоторые приемы ткачества используются и поныне.

Еще более ранние образцы художественного ткачества были обнаружены в Америке на территории Перу на рубеже 2500 г. до Рождества Христова. Хочется особенно отметить этот период в становлении художественного ткачества, так как древние перуанские ткани оказались более высокого профессионального качества, чем старинные европейские ткани. Если подсчитать количество утков на дюйм нитей основы, то европейские ткани насчитывают около 100 нитей, тогда как ткани перуанские – около 500. Интересны перуанские ткани и своей орнаментикой. Художники Перу того времени выражали свое мироощущение в стилизованных и абстрактных рисунках, иногда абстракция развивалась настолько сильно, что вообще невозможно понять сюжет картины или орнамента. Еще одно отличие перуанских тканей от европейских – это их колористика. Мастера Перу использовали только три цветовых пигмента, – это индиго, оттенки красного и оранжевого цветов.

В азиатских странах в технике художественного ткачества хорошо известны китайские мастера эпохи Суна (Х–XIII вв.). Первые шелка с изображениями по типу гобелена называли кэсы, или гравированный шелк. Ткали такие ткани из шелковых нитей, причем шелк использовался как для нитей основы, так и для нитей утка, поэтому частота нитей в переплетениях превосходила аналогичные французские гобелены в три раза.

В Западную Европу художественное ткачество пришло с мусульманского Востока через Испанию. Наиболее ранней из дошедших до наших дней считается шпалера, вытканная в XIвеке рейнскими мастерами. С XII XIII веков шпалерное искусство развили немецкие мастера, и их работы начали проникать в Скандинавию. А с конца XIV века шпалера распространилась по всей Европе.

Сам термин «шпалера» для определения гладкого сюжетного ковра дошел до нас со времен, когда это слово в переводе с итальянского обозначало решетку для живых цветов. Видимо, мастера-ткачи увидели схожесть своего ткацкого станка с решеткой, обвитой цветами. Станки представляли собой раму и в отличие от современных станков не имели гвоздей для закрепления нитей основы. Вертикальные станки называли «готлис», на них ткали начинающие мастера и ученики. Горизонтальные станки «баслис» требовали уже достаточно хороших навыков плетения и хорошо развитого глазомера, так как рисунок выплетался по горизонтали.

Ткачеством в Германии занимались в основном в монастырях и при домах богатых граждан. Ткаными коврами украшали стены домов, монастырей, использовали их в качестве ширм. Этот вид искусства прочно укоренился в северных странах, так как кроме эстетической функции шпалеры носили и утилитарный характер – они защищали дома от холода, согревали стены. Сюжеты для ковров в основном носили религиозный характер. В этот период не существовало раздельного труда, т.е. мастера сами придумывали сюжеты к шпалерам, сюжеты для ковров брали из настенных росписей церквей и домов. Позднее над эскизами и картонами стали трудиться профессиональные художники.

Тканый ковер был очень похож на настенные фрески. Мастера перенесли декоративность мышления и в шпалеры, фигуры людей были бесформенные, схематичные, тональные переходы выполнены полосками, растяжками цвета по тону. Цвета использовались традиционные для средневекового искусства – синий, красный и зеленый. Часто мастера вплетали в сюжет различные надписи, отрывки молитв – это одна из особенностей немецких сюжетных ковров. В технологическом плане немецкие мастера использовали все традиционные приемы ткачества – это просветы «на прямую» и «на косую», сцепление утков (этот прием встречается в немецкой шпалере и редко когда в фламандской и французской), широкий черный контур по рисунку деталей. После того как шпалера выполнена и снята с рамы, мастера сшивали зазоры, образовавшиеся в работе, шелковыми нитками с изнаночной стороны. Сами просветы не превышали 1 см, так как ковер мог развалиться или быть непрочным.

С XIVвека шпалерное ткачество становится важной отраслью художественного ремесла Европы. С этого периода создаются мануфактуры в разных странах. Каждый крупный центр специализировался на одной определенной технике ткачества, со своими сюжетными и колористическими особенностями. Картоны для шпалер заказывают художникам, которые разрабатывают эскизы в натуральную величину ковра.

Существует несколько разновидностей картона:

1. Картон, созданный по образцу книжной миниатюры.
2. Рисунок.
3. Произведения монументальной живописи.
4. Картина.
5. Оригинальный картон, исполненный самим художником.

Начиная с эскизов Рафаэля («Деяния апостолов», серии картонов для шпалер Сикстинской капеллы 1513–1516 гг.), шпалеры рассматриваются как художественные произведения. Художник создавал эскиз, исполненный «по малому шаблону», который был приближен к произведению искусства.

В XIV XV вв. ведущим городом по производству шпалер был Париж, затем Турин. С этого момента название шпалер меняется, ковры теперь называют мильфлеры (в переводе с французского «тысяча цветов»). Название выбрано не случайно, все сюжеты мильфлер располагаются на индиго-зеленом или красном фоне с россыпью цветов, букетов, ягод. Сюжет ковров не только библейский, это и сцены из реальной жизни людей, а также сюжеты средневековой литературы. Производили мильфлеры как кустарные мастера, мелкие ремесленники, так и крупные мануфактуры, поэтому уровень качества был достаточно различным. Если проводить сравнительный анализ мильфлер со шпалерами, можно сказать, что в технологии ткачества французские мастера достигли лучших результатов: на сравнительно небольшой плотности основы рисунок ковра поражает проработанностью деталей. Фигуры людей и животных не такие угловатые, как в немецких шпалерах, мастерам мильфлера удается выткать очень мелкие детали сюжета: бутоны цветов, мелкие ягоды, детали одежды, мимику лица… Колористическое решение ковров тоже значительно изменилось. Складки одежды, растительные мотивы передаются в мягких цветовых и тоновых нюансах. Особенно интересен фон, на котором разворачиваются сюжеты. Он смотрится как кружевной ажур, его можно рассматривать отдельно от сюжета, но в то же время он не мешает и не отвлекает внимание зрителя от основной мысли мильфлера. Как и большинство произведений искусства готического периода, все сюжеты ковра имели иносказательный смысл. Порой за простой сценой жизни людей прочитываются целые романтические баталии. Так, изображая куропаток, уток, соловьев, художники олицетворяли весну, любовь, помолвку, семью. Цветы – гвоздики, незабудки, анютины глазки – были средством объяснения в любви …

Самая прославленная серия мильфлеров хранится в музее Клюни в Париже, называется она «Дама с Единорогом». Известны также мильфлеры с изображением сцены из жизни сеньоров.

Пальму первенства французских мильфлеров с середины XVIвека перехватили шпалерные производства Фландрии. От названия города Аррас шпалеры начинают называть аррасами, а в Польше и Италии их называют так до сих пор. Очень часто путают мильфлеры с аррасами, и действительно, основные принципы ткачества, построения сюжета и колористика схожи. Сказывается то, что многие парижские ткачи от бесконечных войн между Англией и Францией переместились жить во Фландрию. Но все же у аррасских шпалер есть свои особенности. Это очень декоративные, яркие, построенные на контрасте цветов, с использованием золотых и серебряных нитей шпалеры. Рассматривая шпалеру «Вручение роз», можно заметить некоторую схожесть колористики, декоративности и проработки деталей сюжета с русским лубком, конкретно с городецкими росписями, особенно раннего периода. Другая шпалера этого времени – «Предложение сердца» выполнена в несколько другой традиции, ближе к принципам мильфлера. В 1477 году Аррас был завоеван Людовиком XI , и шпалерные мастерские были закрыты.

С конца XV– начала XVI вв. крупный центр по производству шпалер обосновался во фламандском городе Ауденарде. Основные принципы искусства Возрождения перешли и в шпалеры. Новым этапом в развитии шпалерного искусства можно считать вердюры – это ковры, целиком посвященные пейзажу. Если в ранних образцах шпалер пейзаж был весьма условен, то в этот период времени пейзаж начинает существовать как отдельная тема, сюжет. Слово «вердюр» в переводе с французского означает «зелень, растительность». В XVI веке интерьеры богатых домов было модно украшать шпалерами, завешивать все стены и простенки между окнами и дверьми коврами. С этого момента меняются и форматы шпалер, кроме прямоугольных и квадратных появляются шпалеры, вытянутые по горизонтали и вертикали. Меняется и сам сюжет. Наряду с реальными животными в вердюрах присутствуют и фантастические звери, растительность тоже меняется в зависимости от сюжета и стиля ковра – от могучих деревьев до тонких ветвистых плющей. Дальний план пейзажа решается практически во всех вердюрах одинаково – тающие в дымке поля и леса. Расширяется цветовая гамма шпалер, мастерство ткачей становится виртуозным. Ценность шпалер возрастает до уровня художественных произведений. Кроме фламандцев вердюры ткали и брюссельские мастера, славятся шпалеры из Вавельского королевского замка в Кракове, изготовленные по заказу польского короля Сигизмунда Августа. В XVII XVIII веках искусство вердюр развивается на мануфактурах Франции.

В 1540 г. по приказу короля Франциска Iорганизовались мастерские в Фантебло. Основным заказчиком выступал сам король, который был большим любителем шпалер и пожелал воспроизвести галерею Россо и Приматичо. Над картонами для шпалер работал Жан Кузен. Сами шпалеры выполнены двумя парижскими ткачами – Пьером Блассом Младшим и Жаком Ланглуа. В 1551 году Генрих II создает мастерскую Ла Трините в Париже с заказом шпалер для замка Ане.

Параллельно с вердюрами в шпалерном искусстве Франции и Брюсселя начинает развиваться новый вид орнамента – гротескный (причудливый). Найденные при раскопках в Риме росписи античных помещений стали настолько популярными, что этим орнаментом украшали мебель, ковры, расписывали интерьеры. В 1566 году Жак Андруэ Дюсерс выпустил книгу, в которой представил росписи в Фонтенбло. Книга была настолько популярна, что многие художники перенесли на картоны для шпалер фрагменты арабесок «Флора», созданные в Ла Тринте, «Гротески богов», «Гротески на желтом фоне или фоне цвета испанского табака» 1689 г., созданные по картонам Жана-Батиста Монуайе Старшего. Героями гротескного орнамента были амуры, сатиры, полулюди-полузмеи, обезьяны, львы, пантеры, верблюды. Сюжеты шпалер передавали праздники, веселье и театральные действия. В период с XVIIпо XVIII в. в западноевропейскую моду вливается искусство Востока. Подражание китайскому стилю называли «шинуазри» (от французского – Китай).

Брюссельские вандтапейты (с голландского – гладкий настенный ковер) с XVIвека становятся самыми популярными по всей Европе. К этому времени брюссельские мастера выработали свой, не схожий ни с какими другими мастерами и школами принцип ткачества. Вандтапейты отличались особой стилизацией лица и одежды, а также узким бордюром, который заключал сюжет ковра в композиционную рамку. Также брюссельские художники одевали своих героев в модные одежды XVI века независимо от исторического момента композиции. Самая известная серия шпалер этого периода – история царя Давида и Вирсавия, она состоит из 10 ковров и создана в 1520 г. Часто феодальная знать обращалась к известным художникам для создания эскизов для шпалер. Среди них Рогир Ван дер Вейден, Ханс Мемлинг, Ян Ван Роом.

Можно выделить основные изменения в технологии изготовления шпалер во всех мануфактурах Европы. В этот период:

- исчез одноцветный фон;
- палитра ткача составляет около 30 тонов;
- из примитивного рисунка композиции стали многофигурными и пропорциональными;
- нет перспективных искажений;
- декоративность композиции;
- увеличена плотность переплетения, благодаря этому появляется возможность выполнять мелкие узоры и детали;
- кроме шерсти и шелка применяют золотую и серебряную нити;
-
сюжеты ковра делятся на подсюжеты, т.е. на одной композиции размещается несколько сюжетных линий.

В Англии в городке Мортлейк в 1610 году была создана королевская мануфактура, ею руководил Франсис Крейн. Работали здесь сначала фламандские ткачи, затем новый вид искусства освоили англичане. Здесь выполняли шпалеры по картонам Рубенса, Рафаэля, Ван Дейка. Еще одной процветающей мастерской была мастерская Вильяма Шелдона в Барчестоне, Уоркшир. Мастер ткал картины графств, соблюдая все географические особенности местности. Английские шпалеры назывались тепистри (гобелен). Гобеленовые мастерские были открыты и в городах Сохо (где работал известный мастер Пол Сондере), в Фулеме (мастер Пьера Паризо). Темы для ковров были самые разнообразные – это портреты короля, библейские сюжеты и сюжеты античной мифологии. Самыми известными гобеленами являются «Деяния апостолов» и гобелен с изображением Вулкана и Венеры. Расцвет английских шпалер пришелся на период перехода стиля Возрождения к стилю барокко.

В конце 1601 года в Париже организовывается самая известная в истории шпалер мастерская гобеленов. Организовал ее фламандец Франсуа де ла Планш, который купил красильню семьи Гобеленов. Продукция этой мануфактуры была столь популярна, что в некоторых европейских странах термин «гобелен» стал обозначать все произведения, выполненные в технике шпалерного ткачества. Через 60 лет существования мануфактуры под ее началом объединились все шпалерные мастерские Парижа и превратились в Мануфактуру королевской меблировки (1619–1690 гг.). Мануфактуру возглавляет Шарль Лебрен – президент Академии живописи Парижа. Он создал серию эскизов на библейские и мифологические сюжеты, а также серию эскизов, посвященных королю Людовику XIV. С 1699 года здесь работали художники Клод Одран, Шарль-Антуан Куапель, Франсуа де Труа, Жан-Батист Удри, Франсуа Буше. Эскизы художников становятся менее декоративными, а ткачи обязаны только копировать живописные картоны, не внося в них изменения. Вместо декоративных бордюров сюжеты ковров заключали в тканые рамы. С начала XIX века в мануфактурных мастерских к гобеленам уже не относились как к произведениям высокого искусства. Мастера только копировали современных живописцев. Искусство шпалер с этого момента начинает приходить в упадок не только во Франции, но и по всей Европе.

В XVIIIвеке в Испании работала мануфактура Санта-Барбара, среди ее художников были Андреа Прокаччини, Гойя.

В России шпалерное дело стало развиваться гораздо позже, чем в остальных странах. В XVIIвеке, путешествуя по странам Европы, Петр I обратил внимание на дорогостоящие ковры, и в 1716 году в Париже был заключен договор сроком на 5 лет с ткачами Королевской гобеленовой мануфактуры об организации мастерской в Петербурге. Вскоре в 1717 году была образована Императорская шпалерная мануфактура. Материалы и красители привозились из-за границы. Мастерская часто меняла директоров, помещения, французские учителя, годами не получавшие жалования, уезжали домой. Большую роль в становлении мануфактуры сыграл Филипп Бегагль, и к 1720 году под его руководством русскими мастерами была создана серия шпалер, одна из которых была посвящена Полтавской битве и по сей день хранится в Эрмитаже. Еще будучи в Париже в 1717 году, Петр I заказал французскому художнику Депи Мартену Младшему эскизы с изображением эпизодов Северной войны. Работа затянулась, поэтому Петр I приказал русским мастерам выткать шпалеру с изображением Полтавской битвы. Гобелен был выткан по эскизу придворного живописца Л. Каранакка французским мастером Филиппом Бегаглем и его учеником Иваном Кобылякой. Закончена шпалера была в 1722 году, и свидетельствует об этом надпись: «Зделана всанктъ питербуръхе паръ Филипъ Бегаглъ 1722 году». В Эрмитаже хранится ряд работ этого талантливого мастера, в частности портрет императрицы Анны Иоанновны 1732 г. В это время на Петербургской мануфактуре работала группа русских ткачей, обученных Ф. Бегаглем. Выполненные ими шпалеры украшали залы Зимнего дворца, залы Монплезира в Петергофе.

Работа мастеров по производству шпалер распределялась очень строго. Одни ткали цветы и архитектурные мотивы, другие – лица и фигуры. В зависимости от трудоемкости работы распределяли и жалование. С 1741 года при мануфактуре создается школа рисования. Мастерская готовит своих художников, которые при разработке картонов могли учитывать и технологические особенности ткачества. Несмотря на все старания привить западную культуру в России, шпалерное производство медленно умирало, ковры не покупались и гнили на складе. Новый расцвет гобеленовой мануфактуры в России приходится на середину XVIIIвека. По указу императрицы Елизаветы Петровны в 1755 году мастерская получает от нее заказ на производство шпалер в Зимний дворец, но к этому времени не осталось ни ткачей, ни художников, ни красильщиков, и вся история повторяется сначала. В Париже вербуются мастера, в ученики к ним отправляются солдатские дети. Во времена правления Екатерины II в мастерской работало уже 150 мастеров (только русские), на обучение отпускались казенные деньги, для производства закупались только заграничные шерсть и шелк высшего сорта. Кроме царских заказов на мануфактуру стали поступать и частные заказы. За период с 1732 по 1746 г. было выткано пятьдесят семь шпалер по исторической тематике, 23 шпалеры и декоративно-орнаментальные композиции общей мерою 1555 кв. аршин 211 вершков. До начала XIX века мануфактура переживает свой расцвет, она производит не только шпалеры, но и обои, и обивку для мебели. Для составления эскизов ковров использовали иностранных художников, так как заказов было много и свои русские живописцы не справлялись с таким объемом. Выполненная мануфактурой в 1758 году шпалера «Лебеди», украшающая столовую Зимнего дворца, является повторением с ранее исполненного ковра (хранится в Оружейной палате). Но как изменились ее колорит, композиционное решение! На смену бордюру, имитирующему раму, пришло пышное обрамление из трельяжной решетки с четырехлепестковыми розетками, причудливых завитков – рокайлей, гирлянд плодов и цветов. Как и западноевропейские мастера, русские шпалерные мастера следили за изменениями в моде, на смену стилю барокко приходит рококо. В этот период на мануфактуре трудятся уже сложившиеся художники шпалерного производства. Это Григорий Ежиков, Сергей Климов, Авраам Артемьев, Захар Максимов и Клим Крылов. Кроме пейзажных и исторических тем мастера брались и за высокопрофессиональные изделия – портреты. В большинстве случаев это портреты царствующих особ и лиц, к ним приближенных. Известны портреты Петра I по картине А. Матвеева, портрет великого князя Николая Павловича по портрету О.А. Кипренского, портрет Екатерины II по картине Ф. Рокотова.

С 70-х годов XVIIIстолетия в шпалерном ткачестве ощущается влияние нового стиля– классицизма, а затем ампира, в моде которого сюжеты античной мифологии. Меняются цветовое и композиционное решения ковра.

В 1820-е годы директором мануфактуры был назначен профессор В.К. Шебуев, под его руководством были созданы шпалеры с сюжетом из русской истории: «Владимир и Рогнеда», а также ряд шпалер с изображениями событий Отечественной войны 1812 года.

В конце 20-х гг. XIXвека шпалеры выходят из моды. Петербургская шпалерная мануфактура существовала до 1857 года. Многие работы сгорели во времена войн и революций, часть была распродана и раздарена в качестве дипломатических даров, в России находится всего немногим более ста русских шпалер, исполненных петербургскими мастерами.

XXвек стал веком нового расцвета этого вида декоративно-прикладного искусства. Картоны для гобеленов создавали художники Фернан Леже, Сальвадор Дали, Василий Кандинский. Решающую роль в возрождении гобелена сыграл художник Жан Люрса, он создал около 1000 картонов для гобеленов мастерской «Королевская мануфактура в Абюссоне». Основным принципом работы художника были: невысокая плотность ткачества (как в средневековье); ограничение цветов; монументальность; декоративность; символичность композиции. Люрса заменил и сам подход к картону, эскиз не решался в цвете, на нем лишь обозначались номера окрашенной пряжи. Благодаря изменившемуся подходу к ткачеству и к назначению шпалеры мастера могли выткать за месяц 1 метр гобелена, это уменьшило стоимость шпалеры, а значит, появились заказчики.

Всю свою жизнь Жан Люрса возвращал к жизни утраченную популярность художественного ткачества, его единомышленники – художники Громэр, Сен-Санса, Ле Ду, Роббер произвели настоящую революцию в шпалерном искусстве. В 1972 году вышел альбом «Солнечные стены», посвященный гобеленам Жана Пикара Ле Ду. Более 500 гобеленов создал Сен-Санс.

К 60-м годам XXстолетия интерес к гобеленам вырос настолько, что заниматься ткачествам начали сами художники, поэтому гобелен стал трансформироваться из плоского ковра в рельефный, а иногда и со скульптурными формами. В настоящее время существует большое количество мастерских и художников, работающих в этой технике, среди них художник-педагог Рудольф Хеймрат. Под его руководством сформировалась целая школа латышских художников, работающих в этом направлении: Э. Вигнере, Р. Богустова, Л. Постажа, А. Музе, Э. Розенбергс, И. Якоби и др. Основным отличием прибалтийской школы ткачества является сам материал, пряжа, художники различают ее особенности, принцип скрутки и ее окрас.

Российская школа гобеленов продолжает работать в технике гладкого гобелена, для художников основным параметром для создания композиции служит не материал, а сюжет.

Стиль hi- tech продолжил историю гобелена. В помещения, оформленные в жестких и минималистических тенденциях, гобелен приносит яркое пятно и настроение в создаваемые интерьеры.



Источник: http://www.indrikgrad.ru/oter/library/2008/03/30/library_15.html
Категория: Мои статьи | Добавил: Dragon (06.08.2009)
Просмотров: 12622 | Теги: гобелен, история развития | Рейтинг: 5.0/2 |
Всего комментариев: 0
Добавлять комментарии могут только зарегистрированные пользователи.
[ Регистрация | Вход ]
Форма входа
Поиск
Друзья сайта

Copyright MyCorp © 2019
Создать бесплатный сайт с uCoz